一开始的蓝调可能只有一段，重复三次，现在通见的结构——一段，重复一次，然后接着一个单段的结束——是后来发展出来的。

有人认为约鲁巴神话在早期蓝调中有一定的作用。但是大多数蓝调艺术家更主要的是受到基督教的影响。

20世纪初蓝调的和弦没有明确的定义，但在20世纪30年代12节蓝调成为标准。但是除典型的12节蓝调外还有8节蓝调形式和16节蓝调形式。基本的12节蓝调反应了标准的12巴和声，其节奏为4/4或2/4拍。12节蓝调的蓝调和弦一般是在12节组合上演奏出来的一组三个不同的和弦：

I I or IV I I

IV IV I I

V IV I I or V

在这里罗马数字表示的是和谐进行的音阶。比如假如演奏的是F大调，则其和弦顺序是：

F F or Bb F F

Bb Bb F F

C Bb F F or C

在这个例子中F是和声，Bb是次属音。应该注意到的是在大多数情况下和弦是属七和弦。一般最后一个和弦是和声进行的下一个和声的主弦（在这个例子里是C大调）。

歌词一般在第十小节的最后一拍或者第十一小节的第一拍结束，最后两小节给乐器演奏家作为过渡，这两小节的和弦可以非常复杂，有时其和弦无法分析。但是最后一拍几乎总是基于属七和弦来提高下一段歌词的力量。

在旋律上蓝调使用大调的降三个、五个和七个半音。12节和声进行在数世纪内始终被使用，而蓝调革命性的改进是在旋律中使用降三、降七，甚至降五，加上同时直接演奏邻近的音和“撕音”（如同前导音）。一个古典音乐家一般在演奏前导音时一般前导音先出现，而一个蓝调歌唱家或口琴家会进行音高调整，一位蓝调钢琴家或吉他家则会同时演奏这两个音，然后提前放开前导音。蓝调和弦也会使用次属大小调七和弦和主调大小调七和弦来代替主调。偶尔蓝调也会使用小调。蓝调的小调与传统的小调差别不大，偶尔会在主调中使用降五，往往歌唱家或者主乐器会同时演奏和弦中的大调五。此外小调蓝调一般有16小节，而不是12小节，而且往往受福音宗教音乐的影响。

蓝调的摇滚节奏也是它的一个特征。其使用加强了节奏和启应的效果。许多战后的电子蓝调和摇滚乐使用这些节奏中比较简单的。早期的咆勃（Bebop）是一个基本的基于吉他的弦的三个音组成的即兴重复段。这个音组配合低音和鼓造成了一种类似行走贝斯的 技术，给蓝调带来了其典型的感觉。一个和声行进的最后一小节一般转换向行进的下一个和声的开始。摇滚节奏在歌唱时往往使用“哆，哒哆，哒哆，哒”或者 “咚，哒咚，哒咚，哒”的声音来伴唱。在吉他上它可以使用简单的、不断的低音或者逐步四分音地从属五和弦转向属七和弦，然后再回去。

布鲁斯起源于非洲，最初它没有和弦，仅仅是乐手持续弹奏一个低音音符，同时围绕着这个音符唱出不同的布鲁斯音阶，经过一段时期后，布鲁斯作曲家发现可以将这些音符结合在一起，形成布鲁斯风格的和弦。

通常的布鲁斯调式是给每个和弦上增加七度，就像混合利迪亚调式一样，它听起来像是经过其他一些和弦润色的七和弦产物。

列举一些常用的布鲁斯和声进行：

例：I7（在C大调中就是C7和弦）

I7 —— IV7 重复

I7——bIII——IV 重复

十二小节 即兴布鲁斯固定和声套路

特点是：一共十二小节，四小节一句，每一句的开头和弦都不同，每句都有不同的和声节奏，最后有个Blues终止在主和弦。

I7——I7——I7——I7

IV7——IV7——I7——I7

V7——IV7——I7——I7

蓝调对后来美国和西方流行音乐有非常大的影响，拉格泰姆、爵士乐、蓝草、节奏蓝调、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代的古典音乐中都含有蓝调的因素或者是从蓝调发展出来的。在诗歌里这个词常被用来描写忧郁情绪。蓝调一词是与“蓝色魔鬼”（Bluedevils）一致的意思，意思是情绪低调、忧伤、忧郁。早在1798年乔治·科曼就写过一部名为《蓝色魔鬼，一幕滑稽戏》的滑稽戏。19世纪里这个词被用来表示震颤谵妄和警察。在美国黑人音乐中这个词的应用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克里斯托弗·汉迪的《孟菲斯蓝调》是这个词在音乐中最早的书面纪录。

蓝调音乐始于二十世纪初美国的南部。其中亦混合了在教会中类似朗诵形式的节奏及韵律。

在听蓝调音乐的时候，你会发觉它们好像都依着一个相同的曲式来进行。其中原因是因为蓝调音乐会常用到一种标准曲式，名为12 Bar Blues。

起源

布鲁斯从贫苦的黑人奴隶的业余音乐演化为了一种种类多样的、形式复杂的音乐种类，它还可以分亚类，在整个美国，后来也在欧洲、非洲和世界其它地区还产生了地区性的形式。今天的蓝调与今天的乡村音乐一样是在19世纪美国南方开始的。最早的蓝调和乡村音乐的录音是1920年代的，当时正在起步的大众音乐工业研究和制造了“非裔美国人音乐”和“传统音乐”等市场类型来相应地吸引黑人或者白人顾客。当时在蓝调和乡村音乐之间除演奏家的种族的区分外没有明确的区分，有时录音公司还会标错标签。实际上这种使用人种来进行的分类是错误的。比如当时人们将黑人奴隶表演给他们的主人的福音歌曲分为蓝调，但实际上这种黑人宗教歌曲的来源是赫布里底群岛。黑人美国经济学家和历史学家托马斯·索维尔还指出美国南方的前黑人奴隶人群在相当程度上被他们的苏格兰-爱尔兰“乡下佬”邻居们同化了。但是库比克和其他人的研究也显示出蓝调中依然含有相当程度的非洲遗产。

关于蓝调出现的社会和经济背景有过许多研究。蓝调最早的出现时间不很精确，一般认为是在1870年和1900年之间。这个时期与美国南方奴隶解放和从奴隶制转向合作制和小规模农业的过程一致。一些学者将这个时期的发展定义为从集群表演转化为更加个人化的形式。劳伦斯·勒文（LawrenceLevine）认为“在国家强调个人的意识、布克·华盛顿的主张的普及性和蓝调的形成之间有直接的联系。奴隶制对黑人的心理、社会和经济的影响是不可估量的，因此他们的世俗和宗教音乐对此的反映是非常自然的。”

二战前

由于拉格泰姆的商业成功，美国乐谱商立刻开始追求类似的蓝调的商业成功。1912年汉迪的三部类似蓝调的作品出版，加速了锡盘巷采用蓝调元素的过程。汉迪（W.C.Handy）是一位职业音乐家，他在普及蓝调的过程中起了一个关键角色。汉迪是第一位将蓝调改写给乐团的人，他的改写作品达到了交响乐似的规模，配有乐队和歌唱家。他成为一位非常著名的作曲家，自称为“蓝调之父”，但也有人认为他的作品根本不是蓝调。他的作品可以看作是蓝调、拉格泰姆和爵士乐的综合，他主要使用的是在拉格泰姆中使用长久的拉丁美洲音乐中的哈巴涅拉节奏。汉迪活了相当长时间，在这段时间里非常有作为，他最著名的作品是《圣路易蓝调》。

1920年代里蓝调成为美国黑人和美国流行音乐里的一个重要元素，通过汉迪的作品和经典的女蓝调演唱家它也获得了“白人”听众的青睐。蓝调从非正式的表演演化为剧院里的娱乐。在剧院里、夜总会里都会有蓝调演奏。这个演化使得蓝调特别地多样化，并且蓝调与爵士乐之间的区别也越来越明确。一些唱片公司开始录制美国黑人音乐。随着录音工业的发展，一些乡村蓝调艺人在美国黑人社群中的名声也不断增高。盲人莱蒙·杰佛逊是第一位使用撕吉他录音的艺人，他使用刀片、酒瓶和其它不寻常的对象来弹吉他。撕吉他成为三角洲蓝调非常重要的组成部分。在1920年代录制的蓝调可以分为两个风格：一个是传统的乡村蓝调，另一个是比较加工的，多样的城市蓝调。

乡村蓝调往往没有伴奏，或者只适用一个班卓琴或者吉他来伴奏，其表演往往是即兴演奏。在20世纪早期有许多地区性的乡村蓝调风格，其中少数尤其重要。密西西比三角洲蓝调风格纯朴，往往使用撕吉他或者口琴伴奏，它的歌唱非常简单和激情。这个风格最有影响的演奏家可以说是罗伯特·约翰逊了，他只做了少数录音，但是在这些录音中以独特的方式将城市与乡村蓝调融合到了一起。东南部“优美、诗情”的山麓蓝调（Piedmontblues）使用一种精心的指弹吉他技术，其代表人是盲人威利·麦克泰尔和瞎孩子福勒。20年代和30年代产生的生动的孟菲斯蓝调主要由陶瓶乐队演奏。这些乐队使用很多不同的不寻常的乐器如洗衣板、小提琴、玩具小笛或者曼陀铃。30年代后期和40年代初许多孟菲斯蓝调音乐家迁往芝加哥，跨越乡村和电子蓝调的界限。

城市蓝调更有条理和更精心细作。经典女性蓝调或者滑稽歌舞剧蓝调歌唱家在1920年代尤其出名。比如贝丝·史密斯，她虽然更加是一位滑稽歌舞剧演员，但确享有“蓝调皇后”之称。她录的“疯狂蓝调”唱片在一个月内卖出了7.5万张。她的导师马·雷尼同样受尊敬，有“蓝调之母”之称。克拉克写道，两位演唱家都使用“一种技术围绕着一个中心调来唱每支歌，可能为了使得她们的声音更容易传到演唱厅的后部”而史密斯“也喜欢用不寻常的调来唱歌。她用她美丽雄厚的女低音来改变和延伸曲调使得她的演唱无以比美。”城市蓝调中的南艺术家包括当时美国最著名的黑人音乐家。

1930年代和40年代初另一个重要的城市蓝调的风格是布基伍基(Boogie Woogie)。虽然这个风格主要是钢琴独奏，但也有歌唱或者使用乐团或者小的乐器配合的。布基伍基的特征是一个固定的低音旋律，一个固定音型或者一个即兴重复段。它使用最常见的音阶变换，左手演奏非常精巧的和声，而右手则演奏华丽的装饰。最早演奏布基伍基的是在芝加哥的吉米·杨西和所谓的布基伍基三人。芝加哥还推出了其它布基伍基音乐家如厄尔·海恩斯。海恩斯“左手上弹奏有力的拉格泰姆钢琴家式的节奏，而右手则弹奏着阿姆斯特朗的小号似的旋律”。

1940年代早期另一种城市蓝调是跳跃蓝调，这个风格受大乐队音乐的影响很重，它的特点是使用吉他来演奏节奏、爵士乐式的速度快的音乐、雄厚的演唱和使用萨克斯管或其它铜管乐器。跳跃蓝调音乐家后来成为摇滚乐和节奏蓝调的前驱。介于经典的节奏蓝调与蓝调之间的非常平滑的路易斯安那风格。

二战后早期

第二次世界大战后和在1950年代中随着城市化的加剧以及放声器的普及新的电子蓝调风格出现了，尤其在芝加哥、底特律和堪萨斯城这个风格非常流行。

50年代初芝加哥成为了蓝调的中心。芝加哥蓝调受三角洲蓝调的影响非常大，因为当时大多数艺术家是来自密西西比地区的移民。他们的风格特征是使用电子吉他、有时撕吉他、蓝调口琴、传统低音和鼓。但也有些音乐家使用萨克斯管，不过他们使用萨克斯管更主要地作为节奏支持，而不是作为独奏乐器。

50年代里蓝调对美国主流流行音乐的影响非常大。鲍·迪德利和查克·贝里直接受芝加哥蓝调的影响，他们激情的演奏离开了蓝调忧郁的风格，一般被看作是摇滚乐的开始。埃尔维斯·皮礼士利和比尔·海利受跳跃蓝调和布基伍基的影响很大，他们将摇滚乐带入了白人社群。芝加哥蓝调对路易斯安那州的兹德蔻音乐的影响也很重要。许多蓝调的风格被引入这个音乐流派，比如使用独奏电子吉他和凯金音乐。但也有些音乐家不是受芝加哥蓝调的影响，而是受其它风格的影响，比如西海岸蓝调。这个风格比芝加哥蓝调平滑，位于芝加哥蓝调、跳跃蓝调、摇滚和爵士吉他之间。也有的艺术家的风格非常个人化。

60-70年代

1960年代初美国黑人音乐中的摇滚乐和灵歌成为了主流流行音乐。白人音乐家将黑人音乐在美国和其它国家传播给新的听众。虽然大多数听众只是喜欢当时的流行曲调，但是也有人开始追踪这些音乐的根底。尤其在英国产生了许多追求蓝调根底的乐队。到该年代底白人音乐家演奏的多样的蓝调或者蓝调与摇滚乐融合的风格成为全世界流行音乐的主流。

同时也有些艺术家继续发展蓝调的传统。比比金在50年代出头，在60年代末达到了顶峰，他的技巧性的吉他技术使他获得了“蓝调之王”的称号。与芝加哥蓝调不同的是他和他的乐队使用强的低音支持，而不使用撕吉他或口琴。

美国民权运动和言论自由运动的音乐在美国导致了对美国音乐根底，尤其是早期美国黑人音乐的根底的研究。纽波特民间艺术节之类的重要音乐节将传统蓝调重新介绍给了新的听众。战前的声乐蓝调和许多被遗忘的蓝调演奏家被重新发现。许多战前的经典蓝调被重新编辑发表。

60年代末一个所谓的西边蓝调在芝加哥出现。这个新的风格与过去的芝加哥风格相比更强调节奏支持，缺乏口琴和萨克斯管，旋律比较少。新的艺术家出现了，他们的风格是芝加哥风格与摇滚乐的混合，使用放大的电子吉他。

但是真正将蓝调介绍给年轻白人听众的是1960年代初芝加哥的保罗·巴特费尔德蓝调乐队和英国蓝调运动。英国蓝调是在英国形成的一个风格，在那里十多个乐队改写了三角洲蓝调和芝加哥蓝调的歌曲。英国蓝调音乐家反过来又为许多美国蓝调-摇滚乐混合演奏家带来了新的灵感。这些音乐家首先通过听英国演奏家获得了启发，又开始自己去研究蓝调的传统。尤其吉米·亨德里克斯是当时的一个稀有的艺术家，他本人是一个演奏幻觉式蓝调-摇滚乐的黑人演奏家。他是一位特技吉他手，在吉他技术方面是创立变音和反馈等技术的先驱。通过这些音乐家蓝调对摇滚乐带来了强烈的影响。

1980年代

从1980年开始蓝调在其传统风格和新风格两方面不断前进。德州蓝调出现了，这个新风格使用吉他作为独奏和节奏乐器。德州蓝调受英国摇滚蓝调的影响很深。

同时专门关于蓝调的杂志出版，在美国的大城市里蓝调社团成立，露天蓝调节成为常事。更多的夜总会和酒店出现。几乎所有音乐都受到蓝调的影响。

现代蓝调是一个广泛的概念，包含所有现代的蓝调艺术家们，他们虽然未能见到传奇的老派蓝调艺术大师，但遵循了他们的步履。现代蓝调既用原声吉他，又用电吉他，结合从摇滚到流行到民谣的多种元素。有些蓝调纯粹主义者或闭门造车的音评人会说现代蓝调只是些简单的模仿者；但他们实际上在尊重过去艺人的基础上融会了创意、天赋和更现代化的感官。Stevie Ray Vaughan在生前一直被认为是独特的蓝调复兴主义者（1990 年他直升飞机遇难而亡），其后又有Robert Cray和Keb' Mo'。

在摇摆年代，大型乐队爵士、蓝调、福音音乐和“布吉沃吉（Boogie-Woogie）钢琴”全部结合起来，成为“跳跃蓝调”。Cab Calloway唱新鲜有趣的歌曲时，更强调了旋律。Slim Gaillard则“说”唱出另人捧腹的超现实主义歌曲（通常是关于食品），而他的乐队应和着喊叫着。Louis Jordan也掌握了这种高能量的跳跃蓝调，同时Louis Prima又结合了Louis Armstrong的人声变化和小号技巧。跳跃蓝调的西海岸版很大程度地受比较轻松的Nat Cole的爵士三人组影响，用老练的音乐和歌词代替了强劲的能量。受正规古典音乐培训过的歌手、钢琴家Charles Brown就是西海岸的最佳代表。跳跃蓝调影响了节奏蓝调（R&B）和摇滚使成为美国派对的主流音乐，后来又成为90年代摇摆复兴的主要元素。

由Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester和Jimmy Reed倡导——然后由Little Walter和Junior Wells带入20世纪后期——口琴蓝调以蓝调口琴为核心。Little Walter在芝加哥发展了该风格的电子版，而Slim Harpo在路易斯安那演奏连颈口琴。在以后的几年中，Paul Butterfield和Bob Dylan把口琴融入到民谣、摇滚和蓝调复古。

只要插了电，就是电子的了。虽然电子蓝调以电吉他的使用为标志，它也同样以电贝司为标志——拾音器（用来放大原声乐器的一种装置）被装到倍大提琴和原声吉他中。从战后的悲曲大师Little Walter到电吉他人Smokey Wilson和Eddie Kirkland都是电子蓝调传统的代言人。

三角洲蓝调大多用一原声吉他演奏，是蓝调的一种原形。其代表人物包括富有传奇色彩的Robert Johnson，芝加哥蓝调的缔造者Muddy Waters，口琴师Sonny Boy Willianson II和蓝调之王John Lee Hooker。得尔他蓝调用充满热情的歌词和人声，通常独奏，也有一些小的组合，如Willianson的各种组合，也曾有过灌录。

（Classic Female Blues）

女性在1920年开始接触蓝调。有歌手如Ma Rainey和Bessie Smith，她们创作了许多尖锐而又自信的作品。以后的音乐家如Billie Holiday则降低了尖锐性，但同样真实地反映了她们的生活与关系。

是一种起源于美国南方和中西部的大部分由原声吉它演奏的蓝调。乡村蓝调利用了从早期的滑音吉它到指拨演奏的独奏、二重奏和弦乐合奏。先锋者Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly和Lightnin' Hopkins创导了这种现已不存在的风格。以后的电子吉它使之平稳地转变成电子和现代的乡村蓝调。

在综艺表演的最初年代，众多剧院因偏好白人戏而忽略了黑人演出（颇具讽刺意义的是，他们实际上却常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戏）。因为主流的排斥，黑人艺术家们组成了自己的圈子，在美国为数不多的场所上演专给黑人观众看的剧目。这些综艺表演通常包括滑稽戏、魔术、舞蹈等，但最引人注目的当数蓝调歌唱表演——出现了一批如Ma Rainey和Bessie Smith的歌手。综艺表演要求表演者超越唱歌地取悦观众，于是加入了戏剧和舞蹈的成分，使黑人综艺表演更深地吸引了观众。综艺表演中的佼佼者Butterbeans and Susie因他们的特别的喜剧表演和精湛的蓝调二重唱久负盛名。综艺蓝调在20世纪20年代处于巅峰状态。

城市蓝调的歌词充分反映了都市生活。“城市蓝调”一词最初是为了与乡村蓝调区别，到四十年代逐渐形成自己的风格。城市蓝调包含了Louis Jordan的跳跃蓝调到爵士的最新花样，包括了Percy Mayfield和Ray Charles的带有城市化的感觉的低吟。

德克萨斯蓝调发展于20世纪20年代，很大程度地从乡村音乐过度，只是滤去了鼻音。它节奏松散，也称“德克萨斯拖拍”，在拍子后面拖摆一点。歌词方面，摆脱了“强作愁”的主题。德克萨斯蓝调常用传统的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克萨斯蓝调在二战T-Bone Walker和Stevie Ray Vanghan继续保持了拖拍的节奏和轻松的德州传统。

因路易斯安那州的沼泽而得名。沼泽蓝调慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出现过伟大的 Slim Harpo。经掺入新奥尔良的节奏与蓝调的韵律、加上回声和延迟的电吉他效果，沼泽蓝调可悠扬如Lonesome Sundown和Lightnin' Slim，活泼如Lazy Lester的口琴。

一种传统蓝调和60年代灵魂音乐的快速旋律的熔合物，灵魂蓝调是涵盖两种传统的艺人。以标准的蓝调乐队为基础——钢琴、吉它、贝斯、口琴和打击乐

各种时期的爵士型、蓝调型音乐、即兴的演奏，只要是用钢琴演奏的蓝调，那就是钢琴蓝调。钢琴蓝调的范畴包括从Count Basie和Rossevelt Sykes到Ray Charles, Dr. John甚至是福音音乐的祖师Thomas A. Dorsey。另外，还有塞内维尔、图森（所作多为Richard Clayderman演奏）。

成熟的纽约蓝调吸收了跳跃蓝调、摇摆、Bebop 和早期的节奏蓝调中的精髓。它在40年代摇摆时期绽开，当时Lionel Hampton的大型乐队用上了蓝调歌手和强烈的节奏。正当呐喊的Big Joe Turner影响了摇滚乐，Erskine Hawkins和Eddie “Cleanhead”Vinson把大众的蓝调和受高度尊敬的摇摆爵士联系到一起。

顾名思义即知，蓝调决不是笑嘻嘻地找一番乐子（英语“蓝调”blues有忧伤的含义）。但于此——并非绝无仅有——新奥尔良蓝调稍稍有别。它带有加勒比韵律（尤其是伦巴）和一些美国南方音乐色彩，只在派对聚会上才有用武之地。此类别可轻松休闲，也可捶胸跺脚地豪放，有Fats Domino和Professor Longhair等出色艺人，用了号和即兴发挥的钢琴伴奏。

当W.C. Handy写“Memphis Blues（孟菲斯蓝调）”时，他根本没有想到这个词的深远影响。孟菲斯蓝调的两大派系中的前一种是在20世纪20年代的Beale Street初生，从众多“陶瓶乐队（jug band）”和综艺表演衍生而出，Memphis Jug Band的弦乐风格和Memphis Minnie和Frank Stokes的粗犷而又时常滑稽的风格而备受欢迎。这种孟菲斯蓝调的早期形式发明了一种演奏方法：主音吉他在一曲中有一“段”特殊演奏——这种方法至今已成为标准方法了。后一种孟菲斯蓝调是在50年代前期开始的一种电子风格，是更响亮而又激进的蓝调。乐手们采用了扩大的、失真的吉他和较重的鼓声，对今天的大多数蓝调艺人有更直接的影响。

爵士蓝调有着坚实的蓝调根基，但又吸收了富变化而又稍快的爵士音乐。这类音乐家们通常把爵士乐的即兴演奏特点掺进了经典的蓝调音乐三和弦结构。爵士蓝调包括从钢琴师Mose Allison以爵士为主的作品，到吉它手Lonnie Johnson的扎实的蓝调，还有Ray Charles的激情荡漾而又博采百风的钢琴蓝调。

民谣蓝调可追溯至19与20世纪交界的小酒吧音乐和晚间小庆典的原声风格。它产生于南方从德克萨斯到三角洲的影响，被许多人认为是美国最原创的音乐。尽管早期美国蓝调也同样的深入大众，但真正把人们带入小酒吧间跳舞的是民谣蓝调。是Lead Belly和其后的Sony Terry和Brownie McGhee将民谣蓝调的风格延传下来，而90年代的吉它手Ben Harper成功地再现了这一风格而又没被认作为复古分子。中国歌曲中的《成都印象》就属于这类风格。

不插电即是原声。原声不一定专指原声吉他。此类蓝调指所有非电子乐器演奏的蓝调——从吉他、班究（五弦琴）到口琴、发声铁罐。各地有各地的曲风——芝加哥、三角洲（Delta）、新奥尔良、德克萨斯、等等；也有各种音乐风格——滑音型、爵士型、指拨型、等等。20世纪前叶的大师Big Bill Broonzy, Lead Belly和Blind Lemon Jefferson被认为是原声的，还有更现代型的Keb' Mo', Taj Mahal和John Lee Hooker。

节奏布鲁斯（英语：Rhythm and Blues，简称：R&B或RnB，台湾、港澳、称作节奏蓝调），又称节奏怨曲。是一种首先非裔美国人艺术家所演奏，并融合了爵士乐、福音音乐和布鲁斯音乐的音乐形式。这个音乐术语由是美国告示牌（Billboard）于1940年代末所提出。相关唱片有合辑《布鲁斯名家第五辑：“跳跃布鲁斯”经典》、路易斯·乔丹（Louis Jordan）《路易斯·乔丹精选》等。

（Early American Blues）

这一范畴包括蓝调的最早录音。从 W.C. Handy到Robert Johnson。这种唱片质量通常并不那么理想，但充满着深切感情，绕梁三日。